Tous les chanceux qui ont eu le bonheur de lire Istanbul. Villes et souvenirs, de l’auteur turc et prix Nobel de littérature Orhan Pamuk pourront sans doute attester de son extraordinaire habilité à créé une ville physique au travers du souvenir. Mais aussi son habileté pour faire penser le lecteur sur la relation toujours complexe entre la littérature et le monde que nous appelons réelle, ainsi qu’avec les différentes manières dont la première de forme au second et qui, jusqu’à un certain point, empêche de percevoir la réalité autrement qu’au travers le filtre des mots.

Si dans Istanbul il mentionne les caractéristiques de la ville qui consiste à ne pas garder ses monuments en vue avec les expositions publiques mais à préférer les intégrer au contexte urbain comme partie de l’habitat naturel au milieu duquel s’épanouit la vie, le roman le musée de l’innocence réfléchit sur les similitudes que le roman et le musée partage comme espace où l’on conserve les détails de nos vies qui sont condamnées à disparaître dans le temps. C’est pour se rappeler du passé que, selon Pamuk, l’on collectionne les objets.

Sur plus d’un aspect, bien qu’il s’agisse d’une œuvre d’amour extrême qui joue avec les conventions mêmes du mélodrame, des comédies musicales et des films romantiques qui caractérisent le cinéma turc des années 70 et 80 – conventions qui sont à leur tour décrites dans le livre même avec un fascinant jeu de miroirs – c’est un roman plus personnel et intime, ou l’auteur a vécu ou non les mêmes périphéries sentimentales que le narrateur de l’histoire.

Celui-ci, membre de la famille la plus riche de la bourgeoisie d’Istanbul, souffre d’un amour éperdu pour une cousine plus jeune que lui et d’une classe sociale inférieure qui transforme sa vie en somnambule qui déambule d’année en année par les rues, par des cafés et restaurants, par les bars et les cinémas, par les magasins et les maisons de la ville à la recherche des objets qu’elle a touchés ou qui lui aurait appartenu, créant ainsi un musée qui est à la fois une carte des rituels et des habitudes de la société d’Istanbul, et du cœur cassé d’un homme. Ou une tapisserie emmêlée qui est en même temps l’exploration de la nature des liens que crée l’amour et des mystérieuses raisons qui nous poussent à collectionner.

Le livre, dont l’un des personnages est Pamuk lui-même, peut se lire comme un véritable guide musée, que l’écrivain crée dans le quartier de Çukurcuma avec des objets qui évoque la vie quotidienne de la ville durant les années où se déroule l’histoire.



Paul Oilzum

L’ouverture des portes du musée est attendue pour 2011. Si vous louez des appartements à Istanbul peut-être n’y a-t-il pas meilleur guide que le livre qu’il a fait naître. Ce n’est pas en vain que Pamuk lui-même a affirmé à certaines occasions que si ils pensent la ville au travers d’Istanbul, au travers du musée il la montre.

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Traduit par: osito
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Si vous vous trouvez dans la ville de Vienne, n’hésitez pas à visiter sa sensationnelle enceinte d’art, qui se situe près du Palais Impérial, où se trouvent le Musée Léopold (avec de nombreuses œuvres de l’artiste Schiele), le pavillon Kunsthalle et le MUMOK, Musée d’ Art Moderne. Cette zone est connue comme “Museumsquartier Wien”, (le “Quartier des Musées de Vienne”), c’est une des dix enceintes culturelles les plus grandes du monde. Elle est située au terme du vieux quartier de la ville, dans ce qu’étaient anciennement les écuries impériales, et réunit dans une superficie de 60.000 mètres quarrés des œuvres d’époques et styles artistiques différents, mais aussi des restaurants, cafés et boutiques dans des bâtiments baroques mélangés avec une architecture moderne et contemporaine.

Le MUMOK, en particulier, s’est installé dans un bâtiment neuf de basalte gris foncé et exhibe une exposition permanente qui s’intitule ‘Fokus 01. Rébellion et essor des années 60′, où ont peut admirer près de 300 œuvres caractéristiques du Pop-art, Fluxux, Nouveau Réalisme et Actionnisme viennois, qui appartiennent à la collection du musée. Entre les représentants du Pop on trouve l’irremplaçable Andy Warhol, et également Claes Oldenburg, Robert Rauschenberg et Jasper Johns; on trouve aussi les créations de Daniel Spoerri, Nam June Paik, Yoko Ono, George Brecht et Marcel Duchamp. L’Actionnisme viennois, c’est à dire l’apport radical essentiel de l’Autriche au développement international de l’avant garde, se trouve documenté à travers des œuvres de Günter Brus, Otto Muehl, Hermann Nitsch et Rudolf Schwarzkogler.

En plus de cette incroyable exposition, la collection du MUMOK comprend aussi près de 9.000 œuvres de peinture, sculpture, installation, dessin, graphique, photographie, vidéo, films et aussi maquettes d’architecture de la première moitié du XXème siècle, ainsi qu’un centre de documentation d’art avec du matériel principalement en relation avec les années 60. D’un certaine manière, on peut observer que la collection du MUMOK reflète la brève ( mais très talentueuse) histoire du musée, qui a ouvert ses portes en 1962 comme “Musée du XXème siècle” au Schweizergarten, s’est déplacé aujourd’hui pour des questions d’espace et a changé son nom pour la troisième fois. Le premier “déménagement” (qui a été en réalité une ampliation) s’est fait en 1979, quand la collection du musée a grandit considérablement grâce aux prêts de longue durée des collectionneurs allemands Peter et Irene Ludwig et avec l’acquisition de la collection de Wolfgang Hahn de Cologne.

Le MUMOK se trouve au numéro 7 de la Museumplatz. L’entrée coûte 9 euros, mais il y a une remise avec la Vienna-Card (7,20 euros) ou avec la carte d’étudiants, l’entrée est libre pour les moins de 19 ans. L’horaire d’ouverture est de 10 à 18h tous les jours sauf le jeudi, de 10 à 21hs. Pour plus d’informations vous pouvez visiter la web officielle https://www.mumok.at .

menschauser

Si vous êtes intéressés par l’art et que vous voulez vous promener dans le Quartier des Musées, nous vous suggérons de louer un des appartements à Vienne et de profiter de l’environnement artistique de la ville.

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Traduit par: françoise
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Dirigée par Jordi Gixe et Francesc Abad, le Mémorial Démocratique de Barcelone présente jusqu’au 13 février 2011 une exposition appelée « symboles de Franco ».

Cette exposition tente de rendre compte d’une large recherche sur les vestiges du franquisme qui se trouvent encore en Catalogne. Ce travail a été réalisé sous la direction du Mémorial Démocratique et du Mémorial Catalan. Il tente de ne pas perdre de vue tout ce que peut signifier 40 ans de dictature franquiste et les formes de pouvoir et d’idéologique.

Le Mémorial Démocratique a été créé avec pour but de potentialiser les valeurs de la démocratie et de potentialiser les propositions et les initiatives qui cherchent à asseoir et à maintenir la mémoire historique. Dans ce contexte, le mémorial réalise constamment des expositions, des projections de films de cinéma, des rencontres et des séminaires.

À cette occasion, et dans l’exposition qui ferme l’année en cours et débutera la nouvelle, le mémorial présente les résultats de la recherche qui ont été développée par rapport à la symbolique héritée du franquisme.

Des milliers de symboles, images, éparpillés sur le large territoire espagnol, et que l’on conserve encore de cette période, rendent compte de la dimension de la propagande du travail réalisé par la dictature franquiste. Bien qu’il se soit écoulés plus de 30 ans, ces symboles existent toujours entre nous, dans les espaces publics et quotidiens.

La symbolique franquiste, corrélation directe de la symbolique fasciste d’Europe à cette époque, est remplie d’aigles, de flèches, de défilés militaires, entre autres. Bien sûr les images en relation avec l’église catholique et celles de Franco lui-même, furent nécessaires pour relever l’image peu reluisante que le régime maintenait au niveau international.

Toute cette symbolique a prit ses racines durant la guerre civile et principalement avec l’exaltation du chef de l’État, le Généralisme comme l’appelle Franco.

Beaucoup de ces symboles ont été premièrement adoptés de celle créée auparavant pour les dénommées phalanges espagnoles des JONS. À cela s’ajoutèrent les images et les symboles des traditionalistes aussi appelés les carlistes où celles de l’armée.

Durant les années du régime franquiste, l’usage et l’expansion de cette symbolique comme doctrine prit des formes claires et qui nous marquent aujourd’hui.

Un exemple clair de l’acceptation de cette symbolique propagandiste et doctrinaire fut l’adoption de l’uniforme d’un parti unique. En créant la fusion des phalangistes et des traditionalistes, cet habit s’inspire de la chemise bleue des phalangistes, les ceintures militaires et le béret rouge des carlistes, et pour mettre la touche finale à cet ensemble particulier : une cravate noire. C’est uniforme a continué de s’utiliser pendant toute la dictature.

Pour conserver une présence constante dans tous les aspects de la vie publique et de la vie privée, l’identité du franquisme s’est servie des timbres, des insignes, des drapeaux, des étendards, des affiches et de tout type distinctif d’une marque déposée.

Jusqu’au mobilier public comme les bus certains éléments déplacent furent utilisés à l’effigie de la gloire de la patrie et, bien sûr, des valeurs militaires et religieuses.

Nancy Guzman

Une exposition à ne pas manquer qui reconstitue une période douloureuse et complexe d’histoire d’Espagne. Si vous passez quelques jours dans des appartements à Barcelone passez visiter ce jeu de mémoire de la société catalane.

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Traduit par: osito
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Peintre, graveur et sculpteur, Arman Pierre Fernández est né à Nice en 1928 et est mort à New York en 2005. L’œuvre de ce fils d’espagnol, du côté du père, est un des joyaux de l’art contemporain et le Centre Georges Pompidou l’exhibe jusqu’au 10 janvier 2011.

Initié à la peinture par son père à l’âge de dix ans, Arman a étudie à l’École d’Arts Décoratifs de Nice. En 1947, il connait les peintres Yves Klein et Claude Pascal, avec lesquels il créera le groupe artistique “Triangle”, influencé par la philosophie orientale du Bouddhisme Zen, l’astrologie et l’œuvre de Van Gogh. A partir de ce moment, il signera ses œuvres par son prénom, comme le faisait Van Gogh et passera d’être Arman Pierre Fernández, à Arman tout court.

En 1949 il part étudier l’archéologie à l’École du Louvre, à paris. Dans cette période son œuvre sera influencée par le surréalisme. Des années plus tard, influencé par Kurt Schwitters et Picasso il change les pinceaux par le tampon et s’initie à la gravure sur toile et papier.

À la fin des années 50, la croissance industrielle avec l’augmentation de la consommation et des déchets de la société moderne en résultant, mènent une grande partie des artistes à réfléchir sur la réalité. Inscrit aux Nouveaux Réalistes par le critique d’art Pierre Restany, proche de Duchamp et de Andy Warhol, Arman se joint à la critique de l’ascendant procédé d’industrialisation des années 60 et transforme son art.

Sa ré-interprétation du ready-made de Duchamp, qui transforme l’objet le plus commun en œuvre d’art, est ce qui l’intègre aux Nouveaux Réalistes. Il entre en opposition avec l’expressionnisme abstrait et à l’informalisme. Il suit le sentier ouvert par Rauschenberg et les artistes pop, en exposant l’ère moderne, à travers de l’intervention d’objets qui l’occupent et la définissent: la ville, la machine, l’usine, la consommation et les médias de masse.

Le Nouveaux Réalistes est considéré comme la version européenne du Pop Art, néanmoins, et à différence de ce dernier, il a un contenu et un compromis avec la société.

Arman accumule des déchets, les brûle, les écrase, les coupe et les scie. Il transforme en œuvres d’art des objets d’usage quotidien en dénonçant ainsi la consommation, la guerre, la violence et la marginalisation de milliers d’hommes condamnés à vivre dans les ordures.

C’est la misère de la consommation et sa charge létale qui s’expriment dans ses Poubelles. Ses découpes, ses tas, combustions et inclusions sont pleines de colère et sont l’expression d’un artiste qui façonnait le compromis avec la société dans la quelle il vivait.

Aujourd’hui Paris lui rend hommage dans cette exposition en présentant ses œuvres objet, Les poubelles, La masse critique de l’objet, Colères et coupes, Archéologie du futur, Arman et Renault: art et industrie, correspondent aux six premières salles. Et Je suis de nouveau Peintre, qui est un retour aux origines, quand en 1966 il a commencé à coller des tubes de peinture dans ses œuvres.

Nancy Guzman

Arman est une des exposition qu’on ne peut pas rater si on visite Paris. Après avoir parcouru le Centre Pompidou et regardé sa boutique de souvenirs, on peut se balader, regarder la Seine et observer avec un regard différent la belle ville avant d’aller se reposer dans un des appartements à Paris

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Traduit par: françoise
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Pour illustrer l’une des formes possibles de se dépêcher lentement on se rappelle Henrique Vila-matas et son livre le voyageur le plus lent un conte chinois recueilli par Italo Calvino – quoi de mieux qu’un Italien au pas des histoires qui nous vient d’Orient – au sujet de l’adroit artiste Chuang Tzu, chargé par l’empereur de dessiner un grave.

Tchuang Tzu demanda cinq ans et une maison avec 12 serviteurs comme condition nécessaire pour réaliser cette tâche. Nécessaire mais apparemment non suffisante, puisqu’une fois les cinq ans passés il n’avait toujours pas accompli sa tâche. Chuang Tzu demanda alors 1124 jours de plus qui lui furent accordés. Le dernier jour arriva, et en un seul geste, il dessina le plus parfait des crabes.

Dans un poème en prose de José Ángel Valente, le peintre et le monarque sont d’une seule personne, Hui-Tsung, un empereur chinois qui peignait « avec l’habileté d’un expert dans la contemplation de la nature » une caille et un narcisse dans un coin car « nid d’oiseau ni la fleur peuvent être au centre, mais peuvent seulement indiquer le centre ou guider l’œil qui les regarde pour déterminer la forme non visible dans laquelle l’oiseau et la fleur sont inscrits. »

En ce qui concerne Istanbul, nous savons de Kemal Bey, le personnage de Orhan Pamuk, que durant une bonne partie des années 50 et 60 du siècle passé il n’y avait dans la ville ni un seul musée dans lequel on pouvait voir des tableaux. Les amoureux de la peinture avaient pour habitude de se contenter d’agrandir des photographies d’oiseau en noir et blanc et de peindre au-dessus ou de les utiliser comme modèle. Les photographies pouvaient aussi représenter d’autres choses, mais les oiseaux d’Istanbul se convertirent alors en un motif favori. Les artistes s’est dédiée lentement et patiemment, avec une attention scrupuleuse au détail qui les rapprochait intimement de peintre oriental d’oiseau et de crabes, en le rendant peut-être certains secrets ou vertigineuses manières des anciens temps où les Turcs avaient vécu avec les Chinois en Asie centrale.

Car étant toujours change, cela paraît l’unique essence, et nous en avons la preuve à Istanbul au musée Museo Dogançay, (Balo Sokak No: 42) qui détient l’honneur depuis 2004 d’être le premier musée d’art moderne ouvert dans cette ville. Situé dans un édifice de cinq étages et datés d’un siècle et demi dans le quartier de Beyoğlu, le musée est dédié pratiquement entièrement à l’œuvre de Burhan Dogançay, l’un des principaux artistes turcs contemporains. Son travail for intéressant tout autour de la fascinante impression qu’en lui ont laissée, comme témoignage du temps passé, les murs de la ville de la centaine de pays qu’il a visités, impression qu’il recrée dans ses peintures, oeuvres graphiques variées, sculpture ou photographie.



Paul Oilzum

Quand vouvray des appartements à Istanbul et que vous visiterez le dynamique et moderne Beyoğlu, connu pour sa du nocturne, ses galeries d’art et ses splendides édifices néoclassiques et arts nouveaux, prenez un peu de temps pour visiter le musée Dogançay.

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Traduit par: osito
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Le MAXXI, un nouveau musée romain d’art contemporain qui fut dessiné par l’architecte égyptienne Zaha Hadid, a gagné le prix Stirling qui est donné tous les ans par l’Institut Royal des Architectes Britanniques (RIBA). Pour Hadid, gagnez des prix n’est pas quelque chose de nouveau vu qu’elle n’est pas moins que la première femme à avoir obtenu le Pritzker (qui est considéré comme un prix Nobel en architecture) et en plus elle est chargée d’esquisser l’édifice où va se réaliser les événements liés à la natation dans les jeux olympiques de Londres en 2012.

Selon le jury du prix Stirling, l’édifice « s’illumine avec bravo durant le jour grâce à un tissu sinueux qui inclut les lumières du toit contrôler, des persiennes et résilles, qui oriente et stimule le visiteur, et qui créent des espaces qui élèvent esprits » et c’est l’un des motifs principaux pour lesquels ils lui donnèrent le prix. Mais en plus il s’agit aussi d’un exemple clair de ce qu’est la distillation des années et des années d’expérimentation qu’eu Hadid et qui révélèrent que « il s’agit peut-être de sa meilleure création jusqu’à aujourd’hui ».

Hadid a gagné aussi pas moins de 315 000 $ et les deux autres édifices en liste pour le prix jusqu’à l’étape finale sur un projet immobilier à l’est de Londres et le musée Neues de Berlin. Ruth Reed, la présidente du RIBA, assure que leMAXXI mérite grandement sa victoire et qu’elle était très émue de remettre son titre à Zaha Hadid puisqu’elle considère qu’il s’agit de l’un des architectes les plus importants de Grande-Bretagne.

Et comme vous l’imaginez le MAXXI êtes incroyables non seulement pour les œuvres qu’il contient l’intérieur mais aussi pour le design de l’édifice. Si vous voulez connaître ce brillant ouvrage alors vous pouvez louer des appartements à Rome et profiter de l’occasion pour vous y rendre.

Plus d’informations : https://www.maxxi.beniculturali.it/

MAXXI: Via Guido Reni, 10, Roma, 153

Au Musée Reina Sofia fut présentée l’exposition “Débordement de Val del Omar”, qui présente les travaux culte que léga l’artiste de Grenade et qui essayera de les faire connaitre au grand publique, c’est au moins ce qu’expliqua le directeur de centre national, Manuel Borja-villel.

L’exposition durera jusqu’au 28 février 2011 et se présentera en sept zones chronologiques qui montrerons son œuvre depuis l’année 1930 jusqu’à l’année de sa mort 1982. Pourquoi se réalise cette exposition pour faire connaitre Val del Omar ? Parce que, selon Borja-villel, cet artiste est l’un des  ”grands inconnus de la culture espagnol “. En fait c’est la première fois qu’un grand musée comme le Reina Sofia s’intéresse au travail de cet artiste culte pratiquement oublié.

L’artiste réussit à casser la tradition du cinéma espagnol et c’est pour cela qu’il fut incompris par beaucoup, mais justement le but de “Débordement de Val del Omar” sera d’essayer d’expliquer et d’approfondir son œuvre. Il est connu pour son passage par le cinéma expérimental, en réalité son intérêt allait bien plus loin, et beaucoup de ses œuvres sont liés à la technologie à travers de laquelle il réussit à créer des présentations polysensorielle.

Grâce à cette passion pour la technologie il réussit à créer différentes inventions et formes d’enregistrement, de lecture, micro-projecteurs et différents formats qui plus tard furent utilisé par ses collègues.

Si tu veux assister à “Débordement de Val del Omar” et connaitre un des artistes du cinéma espagnol les plus importants et en même temps inconnu, tu peux louer un des appartements à Madrid et profiter d’une exposition qui te présentera toute sa carrière.

Plus d’information: https://www.museoreinasofia.es

Musée Reina Sofía: C/ Santa Isabel, 52, 28012, Madrid, Espagne

Le musée Léopold, l’un des plus importants de Vienne, a payé plus de 19 millions de dollars pour récupérer une œuvre du peintre autrichien Egon Schiele. Le directeur du lieu, Peter Weinhäupl, révéla que cela fut réalisé à travers d’un accord extra judiciaire qui mit fin à une bataille légale en cours.

Il s’agit d’une peinture appelée “Portrait de Wally” qui depuis aujourd’hui peut se voir de nouveau dans les galeries du musée. Il avait été confisqué par les Etats-Unis en 1998 parce qu’ils considéraient qu’il avait été volé par les nazis à ses propriétaires légitimes.

Pour pouvoir faire cet achat, Weinhäupl annonça que l’on vendrait différents tableaux et qu’une banque du pays se chargerait de financer la transaction avec comme garantie cinq gouaches de Schiele.

Selon les commentaires d’Elisabeth Léopold comme selon ceux de Diethard Léopold, femme et enfant du défunt fondateur du musée, Rudolph Leopold, lorsque le « portrait de Wally » serai de nouveau à sa place, une présentation spéciale sera réalisée avec un texte rédigé tant par la fondation que par les héritiers du propriétaire original. L’histoire du tableau et les différents changements de propriétaires seront expliqués dans ce texte, mais aussi toute la lutte judiciaire qui vint après.

“Le portrait de Wally” fut volé à une galerie juive de Vienne par les nazis dans les années 30. Des années plus tard, dans les années 50, finalement Rudolf Léopold put l’acquérir. Si vous voulez visiter le Musée Léopold, où non seulement vous pourrez voir des peintures de Schiele mais aussi des artistes autrichiens importants, vous pouvez louer des appartements à Vienne.

Le Musée du Prado, un des musées les plus importants de toute l’Europe, commencera à exposer à partir du prochain 19 octobre une présentation de Renoir, il s’agira de la première présentation de l’impressionniste français en Espagne. L’exposition intitulée “Renoir (1841-1919)”, est la collection du Sterling & Francine Clark Art Institute et elle a été organisée aussi bien par le Musée du Prado que par le Sterling & Francine Clark Art Institute de Massachusetts, États Unis. Dans cette exposition 31 œuvres seront présentées, toutes de Robert Sterling Clark (1877-1956), fondateur du Sterling & Francine Clark Art Institute.

L’idée est que l’exposition permette à tous les visiteurs de pouvoir apprécier la diversité de l’œuvre de Renoir à travers les étapes les plus relevantes de sa vie, entre 1874 et 1900. L’artiste avait différents centres d’intérêt, mais certains étaient remarquables: portraits, nus, silhouettes féminines, paysages, fleurs et natures mortes.

Sterling Clark en 1910 a hérité d’une grande fortune et est allé vivre à Paris, où il a commencé peu à peu, à rassembler une grande collection d’œuvres d’art. Sans doute Renoir était un de ses préférés et sa collection est une des plus grandes au monde.

Pierre-Auguste Renoir est un des peintres les plus importants à surgir de l’Impressionnisme français. Bien que l’Impressionnisme se base sur la représentation du monde d’une manière spontanée et directe, Renoir n’a pas suivi cette ligne et a ajouté une grande sensualité au style qui s’est beaucoup comparé avec l’art oriental et la beauté de la femme mais sans jamais s’éloigner de la tradition.

Sans doute “Renoir (1841-1919)” est une des expositions les plus importantes qui s’est réalisé ces derniers temps dans le Musée du Prado et si tu veux y assister tu peux louer un des appartements à Madrid et ne pas laisser passer l’occasion.

Une intéressante et agréable idée est venue il y a quelques années aux musées les plus importants du monde, mettre en fonctionnement les salles d’expositions pendant des heures nocturnes.

Une initiative qui cherche à étendre sans doute les disponibilités pour tous ceux qui travaillent ou qui durant le jour ne sont pas enclin à déambuler dans les salles de musée. Le Musée d’Art Contemporain de Barcelone, le MACBA, est un précurseur en la matière et chaque année il y a des dates pour les Nuits du MACBA.

Pour cet été le Musée d’Art Contemporain a préparé une de ces nuits spéciales pour le 23 septembre. Pendant ce jour, les visiteurs pourront profiter de toutes les expositions. En commençant par la collection permanente du musée qui contient des œuvres des plus importants artistes de l’Art Contemporain d’Espagne et des quatre coins du monde, entre eux sont présents Eduardo Chillida, Clyfford Still, Morris Louis, Robert Motherwell, Ad Reinhard, Philip Guston et Franz Kline, avec les œuvres informelles de Joan Hernández Pijuan, Albert Ràfols Casamada, Modest Cuixart, et autres matières de Antoni Tàpies.

Les expositions temporelles seront aussi ouvertes comme celle du membre de l’Internationale Lettriste Gil J Wolma ; le voyage par les archives de la collection Fischer, l’un des collectionneurs et commissaires les plus importants de l’art conceptuel contemporain ; et Parallèle, une exposition de l’artiste Benet Russel qui exprime le lien entre le cinéma et les arts visuels.
Le musée restera ouvert avec les horaires spéciaux à partir de 8 heures et demie du soir et il y aura des visites guidées pour la modique somme de 5 euros.
Rien de plus excitant que de voyager le long de couloirs de l’art pendant les heures où la ville a le plus de vie, la nuit.
Vous le savez, après une promenade en suite d’un repos mérité dans un des appartements à Barcelona, il est possible que vous rencontrez une des fabuleuses nuits du MACBA.